盛夏群展「折衷」

盛夏群展「折衷」

今格空间（上海）将于2025年8月16日举办盛夏群展「折衷」。本次展览汇聚了八位深植于中国文化的华人艺术家，包括沈忱、吴杉、宋陵、杜婕、陈若冰、付小桐、董大为、李舜。

展览意图借助“折衷（中）”的文化概念，呈现艺术家们通过视觉和哲思经验去实践的有关重组、转译、融合等相关议题的作品。折衷并非消极或被动，而是倾向于以更宏观的角度从不同文化传统中观察、汲取，在感性与理性间走于中道，在差异中提炼并内化自己的视觉语言和文化表达，这不仅仅局限于画面上，更将身处的社会文化环境也融入作品中。

展览由今格空间策划，邀请观众在八位艺术家的作品中探寻与对话——思考他们艺术创作的逻辑根植于何处；他们如何用艺术语言回应东方与西方、传统与当代文化的渗透、交融；又如何去表现这个时代的某种特质，并持之以恒地追求自我的美学态度。

 沈忱 

1955年出生于中国，现工作生活于纽约和上海。他早在中学便开始接受艺术教育，并继续在上海艺术学校（当时为“上海五七艺校”）深造。1982年在上海戏剧学院获得学士学位后迁居北京。1988年获斯考海根艺术学院奖金作为驻校艺术家赴美，同年底又获工作室艺术学院交流学生奖来到纽约。次年获全奖赴波士顿大学攻读硕士学位。1991年起定居纽约。

沈忱为80年代中国抽象绘画和实验水墨的先行者之一，并活跃于当时的“地下艺术沙龙”。早在大学期间，他就组织并参加了实验画展“野蔷薇”。1984年，他在北京中国记者协会举办了第一次个人展览。自此以后他的作品展现在世界各地美术馆，并被世界各地多家美术馆、艺术基金会及私人收藏。

沈忱在1990年代即开始了“去水墨”的过程，水墨更换为被水稀释后的丙烯颜料，宣纸更换为亚麻布，并用中国画裱画用的排笔平铺画布作画。他将隐含在中国传统绘画中的笔势和笔意提取出来，以有序的色彩及线条结构在画面中呈现出“抽象”意识和超物质精神，在抽象语言的实践中推进研究材料，形式与空间的关系，也在这种看似单调、重复的工作中寻找个人的精神立足点。

沈忱曾说自己的绘画并不是表现可见的白色，而是用不同层次的灰色来让白色的幻象得以显现。在五十多年的创作生涯中，他一直追求着——技近乎道般精神升华了的创作境界。

吴杉

1960年出生于中国杭州，1982年毕业于浙江美术学院油画系（今中国美术学院），1986年毕业于美国芝加哥艺术学院并获硕士学位，2006年回国任教于中国美术学院，目前生活工作于杭州。

吴杉将西方艺术语言内化于心后，透过中国水墨画的宇宙观再去转译画面，让线条与漆面交流，创造出以大漆为媒介的抽象东方语境。在具体的创作过程中，他用笔考究，每一道下笔都极见力度和韵致，在漆与线的关系中把控住神髓，画面散发着紧凑又和谐的关系。通过几十年的探索与实践，艺术家让线条和大漆之间建成一种整体的关系，并由此产生更大的空间，邀请观众阅读。

吴杉近期个展包括：“游思”，今格空间，深圳（2025）；“吴杉/杉”，半日美术馆，汕头（2024）；“探幽”，站台中国当代艺术机构，北京（2023）；“绵延”，盒子美术馆，顺德（2022）。他也曾在劳伦斯珀林画廊、美国芝加哥艺术学院、美国威斯康星州马修弗德新视觉美术馆、芝加哥东西方现代画廊、印地安那州南本德美术馆、美国伊利诺州怀斯立洋大学、MERWIN画廊芝加哥海德公园艺术中心等画廊和美术馆举办展览。

宋陵

1961年生于杭州 , 1984年毕业于浙江美术学院(现中国美术学院)进入浙江画院任专业画师，1985年参加了“85新空间展览”，主要作品《人·管道》系列，以超现实主义冷峻的手法预言了工业化发展时代的人性矛盾，并在1986年和张培力，耿建翌、王强等一起创办了中国当代艺术早期最重要的艺术群体之一“池社”，创作了在当时具有代表性和影响力的作品“无意义的选择”系列，成为85新潮美术运动之中的重要艺术家之一。1988年宋陵移居澳洲墨尔本，在墨尔本参与了最早的关于中国当代艺术的各种展览，2013年回国，并在杭州建立了工作室。

近几年宋陵完全用水墨进行当代艺术的表达。“尤其是在接触西方的艺术多了之后，对水墨也有了一些重新的认识，觉得中国的水墨里边还有很多东西是可以挖掘和探索的。”用中国画水墨晕染作为创造基调，在思考语言上却没有停下钻研的步伐。艺术家从具体动物为主的图像，逐步发展出两个方向，一个是重新改造中国传统绘画，一个是把现成品的微妙异化。在他看来，重要的不是水墨本身，而是以水墨输出何种理念以及以何种视觉逻辑进行叙述，重要的是知见的在场。在消费时代，物质主义的虚拟空间里充斥着噪音与冰冷，唯有水墨叙述的本能为它沉淀出些许温暖，而这一切，塑造了恰到好处的微妙失衡，一如这个最坏同样也最好的时代。

宋陵的作品被多家公共机构及美术馆收藏，包括澳洲艺术银行、澳纽银行、澳洲白兔美术馆、澳洲迪肯大学、美国亚太博物馆、龙美术馆，星美术馆和余德耀基金会等。2014年和2015年，宋陵分别在北京今日美术馆和浙江美术馆举办了大型回顾展《重现的镜子－宋陵 1985-2013》，2023年在上海昊美术馆举办了十年回顾展《我也开始有欲望了》。

杜婕

1968 年出生于湖北襄阳市。她最早曾攻读物理专业，之后将兴趣和精力投入到绘画实践上。

杜婕的艺术创作过程及灵感起源广泛而多元，她以一种独特的方式去表达内心的诉求。在作品开始之前，她不会在脑海中预先构想出任何画面，而是任由工具牵引着自己的手，在画布上自由而随性地移动。她的作品无论在画布还是纸本都是从一个点开始游走于画面之上，并且把制作每幅作品的时间长度作为作品的题目，她的人生就“消磨”在这简单、繁复的工作中，作品中的每一个简单的笔触、线条，转折就象人生的每一刻，日复一日，年复一年，繁繁复复，逝者如斯，却又充满了各种未知的可能性。杜婕的作品不仅是一种观念，而是一种人生的体验。在简与繁的自然转化中，揭示出无与有、空与色的辩证关系。杜婕的作品在形式语言上呈现了三个卓尔不群的特点：首先是线条从头至尾的完整性；其次是线条创作过程中的呈现出的独立性以及对线条之间距离、关系的可控性；第三是作品创作过程的不可逆性。这三个特点使杜婕的创作过程在理性和感性中间保持着极为清醒的克制，这种克制的态度所产生的线条的力量感使她坚不可摧的内心充分投射在随意却稳固的抽象画面中。

主要个展包括：“无立足境”，今格空间，北京（2021）；“十六回”，今格空间，北京（2018）；“后会有期”，麦勒画廊，北京（2008）等。她的作品曾在中国和海外的诸多重要群展上展出，其中包括：“我偏爱生活——雷顿•韦斯收藏展”，维塞尔伯格现代艺术博物馆，柏林，德国（2016）；“走出牡丹亭:中国当代女性艺术展”，俄罗斯民族博物馆，圣彼得堡，俄罗斯（2016）；“慢艺术:中国抽象”，莱克林豪申美术馆，雷克林豪森，德国（2012）；“慢艺术:中国抽象”，辛格博物馆，拉伦，荷兰（2011）；“白兔十年”，白兔美术馆，悉尼，澳大利亚（2011）；“麻将——希客中国当代艺术收藏展”，伯尔尼美术馆，伯尔尼，瑞士（2005）；“念珠与笔触”，北京东京艺术工程，北京（2003）等。杜婕的作品收录于诸多重量级私人和公共收藏系列中，包括：德国奥尔柏莱希基金会；德国雷顿·韦斯收藏；瑞银集团收藏；澳大利亚白兔美术馆；德国慕尼黑戈兹收藏；瑞士乌里希克收藏；荷兰福瑞德收藏，香港M+ 美术馆。

陈若冰

1970年出生于中国，现生活工作于德国杜塞尔多夫。1988年至1991年就读于浙江美术学院（现中国美术学院）中国画系。1992年移居德国留学。1998年毕业于德国国立杜塞尔多夫美术学院。1993年获杜塞尔多夫海德维西和罗伯特-萨姆尔基金会艺术奖金，2000年获美国约瑟夫和安妮-阿尔柏斯基金会艺术家访问奖金，2013年驻留韩国光州市永殷当代美术馆，2014年驻留诺贝尔文学奖得主亨纳里希-博儿的爱尔兰故居，2016年夏季驻留意大利马焦雷湖拉法雷家族地。2020年德国斯图加特市罗伯特-博世医院委托完成新冠病区艺术疗愈项目。2023年与蒂芙尼公司合作艺术创意项目。作品收藏于上海美术馆（今中华艺术宫），北京时代美术馆，湖北美术馆，德国波鸿美术馆，德国杜塞尔多夫艺术宫美术馆，美国密德博勒大学美术馆，韩国光州市永殷当代美术馆和日本鸟取县立博物馆等公共机构。

陈若冰标志性的创作语言是光、色彩与场域之间的关系，在近年的创作实践中，陈若冰将画面中层层叠如渲染般的中国传统绘画手法与对色彩的觉知潜入地交融，正如艺术家所说，光是意识的觉悟、是运动，它总是在瞬间。光是平和，在智慧和完美的时刻。这就是本性的镜像。光（色彩）让陈若冰瞥见澄明。弥散的光是它绘画中的「吸」，画中形体间的平衡则是绘画中的「呼」，这一呼一吸画便有了生命。陈若冰探求各个形体的造型能力，根据不同的视觉心理感受去运用它们，让它们彼此呼应，彼此对话。如画中圆柱形、方形、椭圆形、环形、长方形等等，圆为天，地为方，让方和圆对话，化圆为方。陈若冰认为：秩序在画面中的建立和延伸导致抽象的存在。

付小桐

1976年出生于中国山西，2000年本科毕业于天津美术学院油画系，2013年硕士研究生毕业于中央美术学院实验艺术系，目前生活、工作于柏林和北京。她近年来的创作使用了宣纸、装置、雕塑和行为等多种媒介，借用古埃及混沌之神“NUN”的名字，展开远古人类社会结构和精神信仰的视觉化探索。

付小桐在加厚的手工宣纸上，放弃了笔加墨的传统创作材料，转而以女性特有的针刺孔的方式来创作。她通过一种密集，日积月累的创作方式，缓缓地呈现出或宏观如山脉，或微观如生命的图像。艺术家透过刺孔这种身体力行的”重复”，重塑了自身的主体性，亦通过一种崭新的物质语言实践赋予了作品持久的力量。

付小桐近年来的重要个展包括：NUN-6（今格空间，深圳，2024）；NUN-3（今格空间，北京，2022）；NUN-3（前波画廊，纽约，2022）。她2019年荣获香港SOVEREIGN亚洲艺术基金会和《Vogue》香港共同颁发的首届亚洲女性艺术家奖。她的作品曾被美国波士顿美术博物馆，美国富达艺术、美国康奈尔大学约翰逊美术馆、美国洛杉矶郡立美术馆、澳大利亚白兔美术馆、中国浙江美术馆等公共机构收藏。

董大为

1981年出生于中国大连，2011年毕业于法国布尔日国立高等艺术学院，现生活工作于北京东五环东六环之间。其作品主要从绘画历史中汲取营养，并在观念艺术方面有着重要实践。其作品广泛展出于艺术机构和美术馆，如尤伦斯当代艺术中心，泰康空间，A4当代艺术中心，木木美术馆，昊美术馆，中央美术学院美术馆，湖北美术馆，加拿大汉密尔顿美术馆，布鲁塞尔Boghossian基金会，莫斯科现代美术馆，法国伊苏丹圣劳克美术馆等。

艺术家从中国传统山水画和西方壁画中汲取营养的同时革新当代风景画，他将古代人在山间行旅坐卧的画面重构为以当代人视角阅读的平远或深远的图示，如山、水、云等风景；此外他在技术上开拓性地将绘画的物质性和自然主题相结合，利用石膏的水化反应，永久性的将颜色凝固在石膏中（如同湿壁画保存了新鲜的颜色）。相对于那些在画布或纸上创作的作品，董大为的新作在创造画面的同时也创造了“墙面”，更加具体地深化了他关于绘画物质性的观念：同时创造作为图像的绘画和作为物质以及物品的绘画。

近年个展包括：新鲜的自然（今格空间，深圳，2025），我们赖以生存的比喻（Tong画廊+Project，北京，2024），观念的代码（星合艺术中心，三亚，2024），分形：董大为2012/2023（三远当代艺术，北京，2023），重返山水（Tong画廊+Projects，北京，2022），元素和像素 (飞地艺术空间，深圳，2021），风景画像 （HDM画廊，北京，2020），背面（今格空间，北京，2019）等。

李舜

1988年出生于江苏徐州，先后获得中国美术学院跨媒体艺术学院学士及硕士学位，现工作、生活于杭州。

李舜近年来的作品就创作的方法来说，无论是其以光痕摹写中国经典书画，还是将图像绘制于书页，都是将素材从它们原初的连贯整体中撷取，从而完成视觉层面的重组；就作品创作的内容而言，那些被他用作画面背景的文学读本，或者下载自互联网的图像，既是飘荡在虚拟世界的片段，亦是被不断传递和延展的经典，重汇的碎片因为意义的交织错位从而产生新的观念。

李舜作品中的碎片，不仅对应着当今互联网时代的破碎与分裂，也是他回应传统流变的方式——艺术、言语、事件，一旦离开原初的生发语境，必然成为不断被曲解、演绎的断章，每个人均以各自的视角和方式解读并传递。在重新聚合的断章中，李舜以一种大历史的视角表现出传统及现实变迁的想象和可能。

李舜的作品多次在国内外重要艺术机构展出和收藏，包括广东美术馆、浙江美术馆、澳大利亚白兔当代美术馆、上海当代艺术博物馆、东京艺术大学美术馆、上海昊美术馆、上海龙美术馆、瑞士Tichy Ocean基金会、成都知美术馆、北京展览馆、塞尔维亚贝尔美术馆、北京民生美术馆、美国康州学院查尔斯·E·辛恩图书馆等。其入围2023年SOVEREIGN 杰出亚洲艺术奖决赛，入选2020年中国摄影年度排行榜，2021、2017年TOP20中国当代摄影新锐，获得2020集美·阿尔勒发现奖提名，2015北京民生现代美术馆开馆展银奖等奖项。